Cineastas de ‘Ultraman: Rising’ falam sobre animação em estilo gráfico, um ‘tema familiar’ para a música e um novo lado do super-herói

Ultraman tem sido uma franquia de mídia proeminente no Japão desde a série de televisão UltraQ estreou pela primeira vez em 1966. Mesmo à distância, o personagem impressionou a jovem Shannon Tindle que crescia na zona rural de Kentucky, que mais tarde se tornaria roteirista e diretora da série animada da Netflix. Ultraman: Levante-se. Juntamente com o co-diretor John Aoshima, a dupla trouxe à tona um novo lado do gigante guerreiro Kaiju, com ênfase na nutrição em vez da destruição.

O filme segue Ken Sato (Christopher Sean), um astro do beisebol que retorna ao Japão para assumir o papel de Ultraman quando seu pai se aposentar. Embora sua atitude ousada e egocêntrica não lhe conquiste muitos fãs, sua perspectiva logo muda quando ele se torna o zelador de Emi, um kaiju recém-nascido.

Deadline teve a oportunidade de conversar com Tindle e Aoshima, bem como com o supervisor de efeitos visuais Hayden Jones e o compositor Scot Stafford da Industrial Light & Magic (ILM) para discutir a animação.

Tindle tem a ideia deste filme na cabeça há 23 anos e sempre teve a mesma premissa. Mas foi só quando ficou mais velho que ele realmente entendeu o quão profundo deveria ser o relacionamento familiar entre Ken e Emi. “Antes da minha filha, é claro, eu conhecia a experiência de ser uma pessoa solteira e egoísta que pode fazer o que quiser, praticamente quando quiser”, diz ele. “Mas quando uma criança chega, há certos sacrifícios que você faz e é difícil.”

Aoshima também tinha uma ligação pessoal com Ken, já que ele também é um nipo-americano que se sentiu deslocado quando era mais jovem. “Comecei a compartilhar algumas histórias de infância”, diz ele. “Quero dizer, na época eles podem ter sido categorizados como algum tipo de trauma, mas como adulto, olhando para trás, isso realmente mostrou qual foi minha jornada e eu queria compartilhar essa jornada com Shannon, o que pode ajudar a criar um mundo real, experiência autêntica para dar caráter. Não entramos em detalhes no filme, mas dá para sentir. Você pode sentir o peso no ombro de Ken.

A ideia de família era tão profunda que Stafford decidiu criar um “tema familiar” para a trilha sonora e ramificar os temas dos personagens a partir dele. “Tive que conectar tudo”, diz ele, “então minhas duas soluções para isso foram conectar cada tema musical e girá-lo em torno do tema familiar, apenas para que tudo tivesse a mesma estrutura de DNA, e então tive que fazer um instrumento que o manteve real.”

Esse instrumento era a harpa, que Stafford sentiu ser o coração da partitura e o instrumento mais versátil que ele poderia usar. O melhor exemplo, diz ele, é a primeira cena do filme em que um jovem Ken faz ramen e assiste beisebol com os pais. “Eu queria que a música parecesse o início de uma história clássica de super-herói, mas também tivesse profundidade e intimidade, e parecesse o maior e mais caloroso abraço que eu poderia dar, porque desde o momento em que foi puxado, eu quis machucar isso. . Para fazer isso você precisa do instrumento de som mais doce, terno e íntimo, e eu sempre voltei à harpa por sua capacidade de fazer isso, mas também por sua capacidade de mudar, apenas mudando ligeiramente a técnica, mudando onde a harpa está. usado. jogador segura os dedos.

Embora a harpa fosse o instrumento principal, a partitura também usou sons de 8 bits e o guitarrista do Polyphia, Tim Henson, para pontuar a ação. A guitarra elétrica de Henson fazia sentido para as batalhas de kaiju, mas Stafford inicialmente teve alguns problemas para descobrir como integrar os sintetizadores de 8 bits sem fazer parecer que eles estavam ali apenas por nostalgia. “Os sons de 8 bits estavam indo muito bem, no meio de uma cena épica, com todos os tipos de sequências de ação e coreografias incríveis, mas algo não está dando certo… e é aí que entra o 8 bits”, ele diz . “É o som de Ken falhando, enquanto Tim Henson era o som de Ken arrasando.”

Ambos os sons faziam sentido para as cenas de ação, já que o estilo de animação lembrava animes ou histórias em quadrinhos, mas tinha um estilo visual único graças aos efeitos visuais. “Olhamos muito para diferentes estilos de batalhas de anime e quadros de impacto, onde você simplesmente muda a cor ou dá um estilo ligeiramente diferente para alguns quadros”, diz Jones.

Além dos frames de impacto, Jones também diz que eles removeram o desfoque de movimento e adicionaram manchas à animação para emular um estilo de anime, o que é totalmente novo para a ILM. “Você tinha a sensação de que o movimento era muito rápido e muito rápido, mas não era um desfoque de movimento como normalmente usamos no ILM”, diz ele. “Então você traz artistas que quase conseguem desaprender como fazem isso há anos e anos e diz: ‘Ok, estamos tirando todas essas ferramentas que você está acostumado a ter e temos que vir com um novo conjunto de ferramentas.’ E quando você trabalha na ILM, é como ter a melhor caixa de ferramentas do mundo.”

Trabalhar com os cineastas permitiu que Jones e sua equipe criassem novas maneiras de integrar a estética do anime, mantendo o estilo original. “Muitas encostas, muitas manchas, muitos ecos de referências de anime que aprendemos a amar”, diz ele. “E ao reuni-los todos, fomos capazes de realmente estilizar Ultraman: Levante-se neste visual extremamente único.”

Grande parte desse visual veio da recriação de uma versão autêntica do Japão, o que foi importante para todos os envolvidos no projeto. “Tínhamos muitos membros da equipe que moravam no Japão ou eram do Japão”, diz Tindle. “Há a Tóquio que você vê nos filmes, que geralmente foca apenas em lugares como Akihabara, mas queríamos adicionar essa nuance. É uma cidade grande e fantástica.”

Jones diz que a pesquisa para acertar a cidade foi extensa e foi além de apenas olhar mapas e edifícios. “A Netflix criou um comitê cultural japonês que garantiu que tudo o que fazíamos fosse realmente autêntico e também nos deram pequenas sessões informativas sobre como era ser japonês e viver em Tóquio”, diz ele. “Eles foram ótimos para informar os artistas sobre coisas que eram importantes… Algumas partes de Tóquio têm um estilo arquitetônico diferente de outras, e tomamos muito cuidado para garantir que todas parecessem e se sentissem como a área em que estávamos.”

“O que eu gosto é que alguns dos nossos artistas japoneses que vieram do Japão falaram sobre como aprenderam a entender o que é o Japão a partir de uma perspectiva japonesa”, acrescenta Aoshima, “porque pode não ser a cidade onde vivem”. . mas eles entendem um pouco… Se você realmente quer avaliar para ter uma boa representação da cidade, então coloca um peso e uma responsabilidade extra para retratar bem o seu país de origem, então acho que é aí que muitos de onde veio o amor.”